Ernest ANSERMET, Albert ROUSSEL, Symphonie No 3, disque LONDON STS 15025
Ernest ANSERMET, Albert ROUSSEL, Symphonie No 3, disque LONDON STS 15025
Les symphonies d'Albert Roussel sont un peu difficiles à aborder sans une bonne introduction: c'est pourquoi celle-ci est un peu longue! Mais elle permet de mieux apprécier et aimer cette musique.
Cette 3e symphonie fut composée entre le mois d'août 1929 et le mois de mars 1930 à Vasterival, où Albert Roussel possédait une maison au bord de la mer, et à Paris - sur une commande de Serge Koussevitzky pour le 50e anniversaire de l'Orchestre symphonique de Boston (avec la Symphonie en ut de Honegger et la Symphonie de psaumes de Stravinsky), qui la donna en première audition le 17 octobre 1930.
Reproduit sur cette pochette est „Crispin et Scapin“ d'Honoré Daumier
Traduit des notes de Martin COOPER publiées au verso de la pochette du disque LONDON STS 15025:
"[...] Bien qu'Albert Roussel ait été pratiquement le contemporain de Debussy et de Ravel - sept ans plus jeune que l'un et six ans plus vieux que l'autre - sa musique semble appartenir à une génération plus tardive. Il y a deux raisons à cela. D'abord, il est venu tardivement à la musique, ne prenant sa retraite de la marine et ne commençant ses études musicales comme professionnel qu'à l'âge de vingt-cinq ans; et cette lente maturation de l'instinct créateur a été suivie d'une recherche tout aussi lente, et parfois douloureuse, d'un style individuel.
En second lieu, la formation musicale de Roussel, sous la direction de d'Indy à la Schola Cantorum, le rangea d'abord parmi les champions du conservatisme; et ce n'est qu'après avoir contré ces fortes influences précoces et mené ses propres expériences avec l'impressionnisme interdit qu'il se trouva vraiment comme compositeur. C'était dans les années qui ont immédiatement suivi la Première Guerre mondiale, alors que Roussel approchait déjà de son cinquantième anniversaire. À partir de ce moment-là et jusqu'à sa mort en 1937, il a connu une véritable maturité, toujours en retrait du monde des cliques à la mode et sans jamais gagner la faveur du grand public, mais de plus en plus honoré parmi les musiciens et les mélomanes. Homme d'une grande modestie, individualiste et d'une intelligence remarquable dans d'autres domaines que celui de la musique, Roussel plaira peut-être toujours davantage au professionnel et au connaisseur qu'au spectateur moyen.
Dès le début, Roussel est attiré par l'orchestre, et un prélude symphonique basé sur la Résurrection de Tolstoï paraît dès 1904. À une époque où Pelleas et les symbolistes étaient à la mode, la forme et l'inspiration d'une telle oeuvre témoignaient d'une extraordinaire insouciance à l'égard de l'opinion publique. La Première Symphonie („Poème de la Forêt“) qui suivit apporta à Roussel son premier succès considérable, bien que les critiques se plaignent déjà de «dissonances cruelles qui percent le tympan comme un tournevis». Entre 1908 et 1914, Roussel s'éloigne progressivement de l'orbite de son maître d'Indy et, bien que professeur à la Schola Cantorum, il est également l'un des premiers membres de la Société Musicale Indépendante.
C'est alors que, en partie sous l'influence des Ballets Russes de Diaghilev, l'art de Roussel subit un processus d'„extériorisation“ et c'est à cette nouvelle conscience de la beauté visuelle que nous devons ses deux principales oeuvres orchestrales de ces années-là - "Evocations", dans laquelle le compositeur traduit en termes musicaux les impressions d'une visite en Inde et le ballet "Le Festin de l'Araignée" écrit pour le Théâtre des Arts. Ce dernier a fait connaître Roussel au grand public pour la première fois et reste la plus universellement connue de ses oeuvres. Il est suivi d'un opéra-ballet sur un sujet indien, Padmavatt, écrit pendant les années de guerre et donné à l'Opéra de Paris en juin 1923. À cette époque, cependant, Roussel avait déjà écrit et présenté au public les deux oeuvres qui marquent la réalisation définitive et sans équivoque d'un style personnel - „Pour une fête de printemps“ (1921) et la Symphonie n° 2 en si bémol (1922).
Désormais, il est possible de déceler dans l'oeuvre de Roussel une réaction directe contre l'impressionnisme. Bien que l'on retrouve encore les timbres délicats et une partie de la manière instrumentale des impressionnistes, la „continuité du discours“ est restaurée et dans certaines des plus petites oeuvres de Roussel, la manière est sans ambiguïté néo-classique. Stravinsky a certainement joué un rôle important dans son évolution en tant que compositeur, déterminant en partie son attitude vis-à-vis de la tonalité et sa préférence croissante pour les musiformes traditionnels "abstraits". C'est dans les années 20 que les signes de l'ascendance nordique de Roussel - il est né à Tourcoing et aimait se considérer comme un Flamand - sont devenus perceptibles dans sa musique. Ce n'est qu'à la toute fin de sa vie, en 1936, qu'il écrivit réellement une „Rapsodie flamande“, mais ses principales oeuvres orchestrales de ces dernières années - la Suite en fa et les Troisième et Quatrième Symphonies - montrent toutes une nouvelle dureté de texture, une approche impitoyable et percutante du matériau musical, avec plus qu'un soupçon de l'humour robuste et rocailleux des grands peintres de genre flamands. À côté de cela, sans aucun doute, il y a une forte dose de raffinement intellectuel et une intensité de sentiment qui n'est pas moins réelle parce qu'elle est bien contrôlée et jamais dépréciée par une parade facile.
[...] Les deux symphonies s'ouvrent sur des mouvements d'un bien-être physique pugnace, extrêmement vigoureux dans le rythme et astringents dans la saveur harmonique. L'introduction lente de la n° 4 contient les seuls vestiges des années de l'élève de Roussel à la Schola Cantorum sous la direction de Vincent d'Indy. Le sol mineur plonge directement dans l'argument. Dans les deux mouvements, la franchise du discours de Roussel, l'absence délibérée de tournures élégantes et la „belle“ orchestration des impressionnistes, voire une sorte de maladresse paysanne sophistiquée, sont très caractéristiques.
Les deux mouvements lents qui suivent comportent de longues mélodies filées et forment des „discours“ ininterrompus menés selon des principes aussi logiques que ceux de n'importe quel compositeur du XVIIIe siècle. Le mouvement lent de la dernière symphonie est le plus lourd et s'élève vers un point culminant d'une intensité émotionnelle saisissante.
Des deux mouvements de scherzo - les plus immédiatement attrayants de chaque symphonie - celui du n° 3 est une sorte de valse rustique rapide, agrémentée d'un humour robuste et ne s'embarrassant pas de quelques pas remarquablement lourds dans les basses. La quatrième est une version moderne et sophistiquée du type de mouvement que Gounod a écrit dans sa „Marche funèbre d'une marionnette“, et Saint-Saëns dans les seconds mouvements de ses deuxième et quatrième concertos pour piano.
Les deux symphonies combinent des éléments de chant et de danse dans leurs finales et il est très caractéristique de Roussel qu'il mène chacune d'elles à son terme avec un minimum de rhétorique préparatoire.
Il serait difficile de trouver deux symphonies écrites par un même compositeur entre les deux guerres mondiales qui soient dignes de comparaison avec celles de Roussel. Celle qui s'en rapproche le plus est peut-être la Symphonie en si bémol mineur de Walton, manifestement moins mûre et l'oeuvre d'un homme beaucoup plus jeune, mais possédant beaucoup des mêmes caractéristiques de tempérament et surtout la même combinaison d'extraversion robuste et d'intensité lyrique réservée. [...]"
Albert Roussel en 1928, un portrait de l'atelier Roger Viollet, Paris
Lors de la première audition de cette symphonie à Genève, concert du 20 mars 1935 donné au Victoria-Hall, Ernest ANSERMET écrivait dans la brochure-programme:
"[...] La 3e symphonie, op. 42, en sol mineur, d'Albert Roussel [...] marque un point particulier de maturité et de maîtrise dans l'abondante production de son auteur. L'écriture harmonique et le style un peu tourmentés de ce musicien, qui allaient s'éprouvant sans cesse depuis «Fête de printemps», y atteignent une logique, un naturel qui s'imposent et n’ont plus rien de cet aspect un peu arbitraire, un peu spéculatif de certaines des oeuvres intermédiaires. Cette oeuvre accomplit, semble-t-il, les promesses contenues dans les premiers ouvrages de Roussel, et qui montraient en lui un musicien fidèle à la tradition classico-romantique et cherchant à y imprimer son sceau personnel.
Bien peu de compositeurs, aujourd'hui, sont portés ou sont aptes à écrire une symphonie; la plupart font une musique assez éloignée, en esprit, de ce genre. Une Symphonie de psaumes de Strawinsky, une Symphonie de Honegger forcent un peu leur titre. Mais si l'on essayait de se représenter ce qui pourrait être une authentique symphonie conçue par un contemporain, ce qu’on imaginerait serait sans doute bien près de cette «troisième» de Roussel. Il y a là cette qualité expressive du discours qui est de la tradition, et en même temps cette brièveté de la forme, cette concentration et cette prédominance de l'élément moteur qui sont d'aujourd'hui.
Un premier mouvement emporté, presque tout d'une pièce, avec un second thème tout juste effleuré (il y aurait une étude intéressante à faire sur cette observation que le bi-thématisme est étranger à notre époque, comme le clair obscur). Un mouvement lent d'une expression toute intérieure, mais dont le développement est fugué. Un scherzo sans trio, tout d'une pièce de nouveau, mais plein de verve et de fantaisie. Un finale très alerte, bi-thématique (mais d'un bi-thématisme de rondo, non de sonate) avec une partie médiane andante.
Cet andante médian développe le motif qui est l'aboutissement du développement du premier mouvement, qui est aussi la cellule thématique de l'adagio, qui n'est pas sans imprimer sa trace dans le scherzo, et qui sert de conclusion à la symphonie. Ainsi l'oeuvre, sans être proprement cyclique, est empreinte d'une forte unité. Et toute cette musique, quoique l'art en soit fortement ancré dans la tradition germanique, est très française d’inspiration et de nature. E.A.[...]"
L'Orchestre de la Suisse Romande et Ernest ANSERMET enregistrèrent les symphonies No 3 et No 4 de Roussel pour Decca, dans des sessions allant du 1er au 11 mai 1956, bien entendu dans le Victoria Hall de Genève. À cette époque du début de la stéréophonie, les prises de son furent faites sous la direction de James Walker en mono ET en stéréo, simultanément par deux ingénieurs du son différents - Gil Went pour celui en mono et James Brown pour l'enregistrement en stéréo.
L'enregistrement en monophonie fut publié en décembre 1956 (DECCA LXT 5234) et mai 1957 (LONDON LL 1495).
L'enregistrement en stéréophonie aurait dû paraître en 1959 sur LONDON CS 6164, mais ce disque n'est jamais paru: l'enregistrement en stéréo ne fut publié qu'une dizaine d'années plus tard - en juillet 1967 - sur ce disque LONDON STS 15025.
Albert Roussel, Symphonie No. 3 en sol mineur op. 42, Orchestre de la Suisse Romande, Ernest Ansermet, 1 au 11 mai 1956, Victoria Hall, Genève (Stéréo)
- 1. Allegro vivo 05:08 (-> 05:08)
- 2. Adagio 08:45 (-> 13:53)
- 3. Vivace 03:02 (-> 16:55)
- 4. Allegro con spirito 05:54 (-> 22:49)
Provenance: LONDON STS 15025, restauré par mes soins
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